sábado, 30 de junio de 2007

The Crying Game

Ficha Técnica

Director: Neil Jordan.
Intérpretes: Stephen Rea (Fergus), Jaye Davidson (Dil), Miranda Richardson (Jude), Forest Whitaker (Jody), Adrian Dunbar (Maguire), Breffini McKenna (Tinker)
País: Gran Bretaña.
Año: 1992.
Guión: Neil Jordan.
Música: Anne Dudley.
Fotografía: Ian Wilson.
Dirección artística: Jim Clay.
Montaje: Kant Pan
Duración: 105 minutos.
Género: Drama.

Una Excelente película con sorprendentes cambios de guión y una interesante trama que combina el terrorismo del IRA, la soledad y los inescrutables caminos del amor. En 1992 el mundo del 7mo arte quedo sorprendido con tan original Guión y el gran secreto que esconde, Neil Jordan nos muestra una movie que además explora temas de raza, nacionalidad y sexualidad.

En el 1993 cuando se publicaron las candidaturas al oscar para las mejores películas realizada en el 92, muchos se sorprendieron al ver una película de baja presupuesto y fuera del seno de los grandes estudios con Juego de lagrimas con 6 nominaciones, ganando 17 premios internacionales y otras 16 nominaciones:

Academy Awards, USA

Year

Result

Award

Category/Recipient(s)

1993

Won

Oscar

Best Writing, Screenplay Written Directly for the Screen
Neil Jordan

Nominated

Oscar

Best Actor in a Leading Role
Stephen Rea

Best Actor in a Supporting Role
Jaye Davidson

Best Director
Neil Jordan

Best Film Editing
Kant Pan

Best Picture
Stephen Woolley

Argumento:

Un sargento británico negro (Forest Whitaker), destinado a Irlanda del Norte, es secuestrado por un comando del IRA. Su pretensión es canjearlo por un compañero que está entre rejas, o si no, matarlo. Fergus (Stephen Rea), uno de los terroristas, es el típico pobre diablo con un fondo bueno. Esto lo detecta el secuestrado, que se lo hace saber a Fergus a través de la fábula de la rana y el escorpión, comparación que ya utilizó. Poco a poco se estrechan las relaciones entre ambos. Ante la eventualidad de un trágico desenlace en el secuestro, el sargento pide a Fergus que cuide de Dil (Jaye Davidson), una muchacha negra que le espera en Londres. La película incluye una sorpresa que para quien la ve sin que se la cuente se impactara mucho.

Comentario:

Una película extremadamente original, actuaciones magnificas y todo esta gracias a la magnifica labor de su director. Como ya he mencionado la grandeza de esta película es su guión, ya que lo contado por esta película se plasma creíblemente, por ejemplo la amistad entre los dos hombres resulta creíble, y nada tiene que ver con un posible síndrome de Estocolmo. Es muy buena la sobria composición que hace Stephen Rea de su personaje y todo eso se hace con una buena dirección de actores hace que todos estén en su sitio. Destacan igualmente la fotografía y nos se nos puede olvidar la banda sonora y la canción principal de la película (del mismo nombre The crying game) interpretada magníficamente por Boy George ya todo un clásico.

viernes, 29 de junio de 2007

El ricon español

Viridiana

Ficha Técnica:

Titulo: Viridiana

Año: 1961

País: España

Director: Luis Buñuel,

Reparto: Silvia Pinal,, Francisco Rabal,, Fernando Rey y Margarita Lozano

Drama: Drama Psicológico

La película fue representante de España en el Festival de Cannes, donde obtuvo la Palma de Oro, máximo galardón del festival, y la ovación unánime de público y jurado. Sin embargo, un artículo muy hostil publicado en el periódico oficial del Vaticano, L'Observatore Romano, provocó su inmediata prohibición en España. El incidente reivindicó la figura de Buñuel ante sus críticos y convirtió a Viridiana en una más de las películas prohibidas de este polémico cineasta.

Argumento

La novicia Viridiana, a punto de tomar los hábitos, debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime, quien le ha pagado los estudios. Durante su visita, don Jaime, impresionado por el parecido entre Viridiana con su difunta esposa, la adormece e intenta poseerla pero no se atreve, al día siguiente le hace creer a Viridiana que la hizo suya en la noche y ella huye, luego el cargo de conciencia lo mato y se suicida. Viridiana renuncia a ser monja y se queda en la mansión a practicar la caridad cristiana, acogiendo a un grupo de vagabundos a quienes brinda refugio y alimento pero que son, a fin de cuentas, quienes la atacaran y robaran. La llegada de Jorge, hijo natural de don Jaime, cambiará definitivamente el destino de la joven.

Controversia:

Extraordinaria película del cineasta Luis Buñuel, una de las mas controversiales en la historia del cine español por su Parodia del cuadro de la «Última cena» de Da Vinci, en una escena, los vagabundos aprovechan la ausencia de los dueños de la casa y hacen una gran comilona y se beben el vino. Luego, después de que el leproso cita la Biblia cambiando la letra, se toman una fotografía en donde posan exactamente como Jesús y los doce apóstoles en el cuadro de La última cena, donde el ciego y más desarrapado es Jesús.

La censura franquista objetó el final original de la cinta, en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo, él abría y ella entraba, cerrando la puerta detrás de ella. Obediente, Buñuel propuso un final diferente (en donde Jorge, Viridiana y Ramona, la criada, juegan a las cartas) que terminó siendo más pernicioso que el primero y que, irónicamente, fue aceptado por los censores sin reparos.

Comentario:

El resultado de esta producción sería una película censurada y calificada de blasfema y obscena por el Vaticano y la propia administración franquista, incapaces de soportar la mordaz, sin embargo el tiempo a sido juez de la misma dándole el honor de ser una de las mejores cintas españolas de todos los tiempos.



jueves, 28 de junio de 2007

Detras del lente: Brian De Palma

Brian De Palma

Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newwark, New Jersey, Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la (Concurso Nacional de Ciencias).

Mientras estudiaba la carrera de Física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió Arte dramático en el Sarah Lawrence College de New York dirigió varios cortometrajes

Hacia finales de los setenta ayudó como favor a George Lucas en el casting de Star Wars. También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película. A mediados de década rodó su primer largometraje, la comedia de bajo presupuesto “The wedding party”, una película con Robert de Niro que no se estrenaría hasta 1969. Un año antes había estrenado “Murder a la mod” (1968) y “Saludos” (1968), comedia satírica protagonizada por Robert de Niro.

El siguiente decenio se iniciaría con “Dionysus” (1970), film co-dirigido por Richard Schechner que estaba basado en una obra de Eurípides, “Hola, mamá” (1970), tercera vez que Brian colaboró con Robert de Niro, su actor fetiche en estos primeros proyectos independientes, y “Get to know your rabbit” (1972), otra de las varias comedias satíricas que De Palma filmó en sus inicios como autor, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo vouyerista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo.

Después realiza unos de las películas de culto mas impresiónate “El fantasma del paraíso” (1974), una de sus mejores películas con una original y brillante adaptación al ámbito pop.

De Palma alcanzó el éxito popular con “Carrie” (1976), inspirado film basado en el best-seller de Stephen King que contó con el protagonismo de Sissy Spacek, quien fue nominada al Oscar, al igual que su madre de ficción, Piper Laurie.

En 1976 también, con guión de Paul Schrader, filmó “Obsesión” (1976), con reminiscencias de “Vertigo”. “La furia” (1978), adaptación de la novela de John Farris, proseguía su senda en el thriller, mientras que con la mediocre “Una familia de locos” (1979), comedia que le retrotraía a sus inicios como director.

Vestida para matar” (1980) le devolvió al mundo del suspense, en esta cinta protagonizada por Michael Caine, Angie Dickinson y Nancy Allen, actriz con la que Brian se había casado en 1979. La pareja se divorciaría en 1983.

En 1981 realiza (Blow Out)” yen el 1984 “Doble Cuerpo”.
En medio había filmado un remake de “Scarface” de Howard Hawks titulado “El precio del poder” (1983), retornando a la comedia con “Wise Guys” (1986).
“Los intocables de Elliot Ness” (1987), con guión de David Mamet y música de Ennio Morricone, adaptaba la famosa serie de televisión homónima con un reparto estelar, en el cual se encontraba Robert de Niro, con quien De Palma volvía a colaborar desde comienzos de la década de los 70. En el film el autor hacía su particular homenaje a Sergei M. Einsenstein. Los años 80 terminaba con un film bélico, “Corazones de hierro” 1989.

“La hoguera de las vanidades” (1990) resultó ser una poco lograda adaptación del libro de Tom Wolfe, la cual fue continuada por una de sus películas más intrascendentes, el thriller “En nombre de Caín” 1992.

“Atrapado por su pasado” (1993), traslación de la novela Edwin Torres con guión de David Koepp, fue mejor recibida que sus anteriores trabajos, consiguiendo el triunfo comercial al filmar con Tom Cruise la superproducción “Misión Imposible” (1996), basada en la serie televisiva del mismo nombre. De Palma continuó realizando títulos de alto presupuesto con “Snake Eyes” (1998), ahora con el protagonismo de Nicolas Cage.

Después de Misión a Marte, y tras una serie de problemas con la industria estadounidense, se traslada a Francia, donde allí reside, y encuentra una serie de productores, con los que consigue filmar Femme Fatale. Unos años mas tarde, se reencuentra con el productor, Art Linson ,y regresa a los Estados Unidos para dirigir La Dalia Negra.

miércoles, 27 de junio de 2007

El personaje de la semana: Ginger Rogers

Ginger Rogers

Ginger Rogers nació en Indepencence, Missouri el 16 de Julio de 1911 gran actriz, bailarina y cantante.

En sus 35 años de carrera, hizo un total de 73 películas, aunque sus papeles más recordados fueron los que hizo junto a Fred Astaire en una serie de diez películas musicales, que revolucionaron el concepto del musical moderno.

Era hija de Eddins McMath, de ascendencia escocesa y Lela Owens McMath, de antepasados galeses. Su madre se separó de su padre poco después de su nacimiento. Así madre e hija se fueron a vivir cerca de Kansas City, partir de ahí, la pequeña Virginia vivió una constante lucha entre sus padres por su custodia hasta que se quedó definitivamente viviendo con sus abuelos. Muchos de sus primos empezaron a cortar el nombre de Virginia por el de "Ginga", dando origen a su nombre artístico.

Cuando contaba con nueve años, su madre se volvió a casar con John Logan Rogers. Ginger comenzó a usar el nombre de Rogers, aunque nunca fue legalmente adoptada. Vivieron en Fort Worth, Texas, y su madre empezó a trabajar como crítica de teatro para un diario local, el Fort Worth Record. Así fue como Ginger empezó a interesarse por el mundo del espectáculo. Esperando a su madre mientras terminaban las entrevistas, Ginger empezaba a cantar y bailar encima de los escenarios. Cinco años después, Ginger Rogers hizo su debut en el mundo del espectáculo
Eddie Foy organizó un concurso para encontrar jóvenes talentos. Ginger entró y ganó el concurso con un baile de charleston. Comenzó así una gira con el teatro de variedades por todo el país durante los siguientes tres años. Rogers tenía 14 años.

A los 17 años, Ginger se casó con Jack Culpepper, también bailarín, pero su matrimonio no duró demasiado. Más tarde, viajaría a New York con su madre. Allí empezó a hacer diferentes trabajos en la radio y en Broadway, donde debutaría con un musical llamado Top Speed, que se estrenó el 25 de Diciembre de 1929.

Sus primeras apariciones en el cine fueron en 1929, en un grupo de cortometrajes que llevaban por título Night in the Dormitory, A Day of a Man of Affairs y Campus Sweethearts.

Poco después, Rogers fue elegida para protagonizar en Broadway el musical Girl Crazy de George Gershwin y Ira Gershwin. Allí también estaba Fred Astaire, que fue contratado para ayudar a los bailarines con su coreografía. Así fue como Astaire conoció a Rogers, en lo que sería el principio de una historia irrepetible. El éxito de Girl Crazy fue inapelable y en 1930 con 19 años, Rogers firmaría con la Paramount Pictures un contrato por siete años.


A pesar del contrato, Rogers pronto se desvinculó del mismo y empezó a buscarse la vida en Hollywood por si misma. Su debut empezó en 1930 con tres películas olvidables con Pathé. Una serie que continuó durante los siguientes años hasta que en 1933 le llegó su auténtica oportunidad La calle 42 (42nd Street), dirigida por Lloyd Bacon y producida por Warner Brothers.

A partir de ahí, la cotización de Rogers subió y trabajó al año siguiente con RKO para rodar Volando hacia Río (Flying Down to Rio) de Thornton Freeland (1933), donde se encontró de nuevo con Fred Astaire.

Ginger Rogers se convirtió de la noche a la mañana en la mejor pareja de baile de Astaire. Juntos, desde 1933 hasta 1939 hicieron nueve musicales para RKO y dieron un nuevo sentido al musical cinematográfico, introduciendo rutinas de baile envueltos en una excelente elegancia y virtuosismo, componiendo canciones que se convirtieron en éxitos como "Cheek to cheek", "They Can´t Take That Away From Me" o "They All Laughed", Aún hoy en día, la expresión "Fred y Ginger" todavía es referencia de una de las parejas más grandes de la historia del cine.

Croce y John Mueller consideraron en 1933 hacer de Ginger Rogers la pareja perfecta de Astaire, principalmente por su habilidad de combinar sus dotes de baile, su belleza natural y su excepcional dote dramática y cómica. El resultado lo describió a la perfección Katharine Hepburn: "Ella da la sensualidad, él, la clase".

Aunque los números los realizaba Astaire con su ayudante Hermes Pan, ambos reconocieron el mérito de Rogers y pronto dejaron que entrara en el proceso de creación, dando su punto de vista y toque personal a los números.

De esa prolífica carrera juntos, hay que destacar los grandes números cómicos de "I'll Be Hard To Handle" de Roberta, de (1935), "I'm Putting All My Eggs In One Basket" de Sigamos la flota (Follow the Fleet), de Mark Sandrich (1936) o "Pick Yourself Up" de Swing Time (1936), de George Stevens. U otros de gran romaticismo como "They Can´t Take That Away From Me" (canción que Fred en la película Ritmo loco (1937) de Mark Sandrich, donde canta a Ginger durante una travesía en ferry).

Tampoco hemos de olvidar sus grandes bailes como "Smoke Gets In Your Eyes" de RobertaWilliam A. Seiter, "Cheek To Cheek" de Sombrero de copa (Top Hat) (1935), dirigida por Mark Sandrich o "Let's Face the Music and Dance" de Sigamos la flota (Follow the Fleet) (1936) o "Let´s Call the Whole Thing Off" de Ritmo loco en un maravilloso baile en una pista de patinaje neoyorquina. La serie se cerraría con Amanda, la paciente peligrosa (Carefree) (1938), de Mark Sandrich y La historia de Irene Castle ( "The story of Vernon and Irene Castle"), de H.C. Potter (1939). Esta separación se debe principalmente a la intención de ambos artistas de seguir creciendo en sus carreras así como un cierto recelo de Rogers hacia el director Mark Sandrich. Al parecer estaba un tanto descontenta porque Sandrich dedicaba toda su atención y sus elogios hacia Astaire, dejándola a ella un tanto de lado. (1935) de

Aún así, hubo una décima película en la que volvieron a unir sus grandes talentos. Tras una larga etapa sin colaborar, el reencuentro se produjo en Vuelve a mí (1949) ("The barkleys of broadway", de Charles Walters, donde Ginger fue la elegida para sustituir a la malograda Judy Garland, quien había conseguido un gran triunfo junto a Astaire en Desfile de Pascua (1948).

Después de su separación, Rogers comentó que no pensaba hacer musicales durante una temporada. Y su primer papel no musical llegó en 1939 donde hizo pareja con David Niven en Mamá a la fuerza (Bachelor Mother) de Garson Kanin y Espejismo de amor (Kitty Foyle), de Sam Wood, que le valió un Oscar a la mejor actriz. A partir de ahí, sus ofertas de papeles se multiplicaron y protagonizó películas como El mayor y la menor ("The major and the minor"), de Billy Wilder (1942) hasta acabar con lo que supuso el retorno con Fred Astaire en Vuelve a mí, gracias a la inestimable ayuda del productor Arthur Freed que los volvió a juntar.

A partir de la década de 1950, la carrera de Rogers se detuvo, para volver a ser relacionada con la figura de Astaire. Presentaron juntos los Premios Oscar en 1950 y en 1967. En 1992, Rogers recibió un Oscar honorífico por su carrera.

Vida privada

En 1940 Rogers compró un rancho de 1000 acres en Oregon, al que bautizó como 4-R's (por Rogers's Rogue River Ranch). Allí vivió durante 50 años, periodo en el cual falleció su madre, en 1977. Allá abastecería de leche durante la Segunda Guerra Mundial. rogers iba a pescar cada día al río Rogue cada verano.

Politicamente, Rogers era del Partido Republicano. De hecho, madre e hija lucharon intensamente a favor del Comité de actividades antiamericanas.

Rogers se casó cinco veces. El primer matrimonio fue con Jack Pepper, el 29 de marzo de 1929, y duró unos pocos meses. En 1934 se casó con su segundo marido Lew Ayres (1908 – 1996), del que se divorció en 1941. Dos años después, contrajo matrimonio con el tercero, Jack Briggs, del que se divorció en 1949.

En 1953 Rogers conoció a su cuarto marido, el abogado Jacques Bergerac, 16 años más joven que ella, y que más tarde se conviritió en actor y ejecutivo de una empresa de cosmética. De él se divorció en 1957. Y en 1961, se casó su quinto esposo, el director y productor William Marshall1971. del que se separó en

Rogers pasaria sus últimos veranos en el rancho de Rancho Mirage en California, y los inviernos en Medford (Oregon) hasta su muerte por una angina de pecho, el 25 de abril de 1995. Fue enterrada en el cementerio Oakwood Memorial Park in Chatsworth (California).

martes, 26 de junio de 2007

El clasico de la semana: Rosemary´s Baby

La semilla del Diablo (Rosemary’s Baby)

Ficha Técnica:

Nombre Original: Rosemary’s Baby
Director: Ramón Polaski
País: USA
Año: 1968
Interpretes: Mia Farrow, John Cassavetes, Rut Gordon.

Mayormente cuando escuchas el titulo de una película que no has visto y no has oído hablar de ella te imagina la temática por su nombre, por eso es que existen películas engañosas, pasaran dos cosas o te sentirás defraudado o al contrario la película te impactara.

Si te dicen vamos a ver una película llamada La semilla del Diablo (titulo en español) pensaras que será una película horrenda y tenebrosa, sin embargo esta no es una película así, pero si de un miedo inteligente, porque el publico de esa época (1968) y en la nuestra aun están acostumbrada a un terror con muertos, seres del mas allá asesinos y zombis. Rosemary’s Baby rompió con este molde, nos presenta un terror mas dramático algo psicológico.

Argumento:

Nos cuenta como una joven pareja se traslada a un apartamento en New York, donde conocen a un simpático pero extraño matrimonio de ancianos, con los que entablarán una fluida relación.

A partir de aquí, y coincidiendo con el embarazo de la joven, comienzan una serie de acontecimientos en los que la buena suerte para los protagonistas, contrastará con las desgracias de sus antiguas amistades. Paralelamente a la gestación de la protagonista, se irá revelando al espectador el complot de su marido, con la secta satánica a la que pertenecen sus vecinos, para engendrar en el cuerpo de su mujer al hijo de Satanás, a cambio de entrar en su poderoso círculo. El publico se va enterando puntualmente de todo el entramado, la joven embarazada se dejará llevar al abismo del terror totalmente ignorante, y descubriendo por sí misma, poco a poco, la horrible realidad.

Comentario Final:

El filme, además de considerarse ya como un clásico del cine de terror es pionero es el género de terror psicológico.

Su director (Polanski) nos brinda una fenomenal película, imprescindible en el genero de terror, destacada por su miedo psicológico de su personaje central manteniendo la expectativas al espectador con una atmósfera perfecta combinada con una buenas interpretaciones, ambientación y música.

Extraordinarias las actuaciones de Ruth Gordon, que conseguiría un premio Oscar como mejor actriz secundaria, y especialmente de una excelente Mia Farrow. Definitivamente este clásico de clásico de terror vale la pena disfrutar.

domingo, 24 de junio de 2007


Las 20 Mejores canciones de película.

Es un ranking del American Film Institute (AFI) de las 100 mejores canciones de película de todos los tiempos.Un listado tan interesante como absurdo hay grandes canciones en el mismo pero se han omitido muchas maravillas que, sin lugar a dudas son célebres por su comercialidad. Aquí les traigo las 20 principales…..

Titulo de la Canción

Película

Año

Over the Rainbow

El Mago de OZ

1939

As Time Goes By

Casablanca

1942

Singin' in the Rain

Singin' in the Rain

1952

Moon River

Breakfast at tifany´s

1961

White Christmas

Holiday Inn

1942

Mrs. Robinson

The Graduate

1967

When You Wish Upon A Star

Pinocho

1940

The way we were

The way we were

1973

Stayin´Alive

Saturday Night Fever

1977

The Sound of Music

The Sound of Music

1965

The Man That Got Away

A Star is Born

1954

Diamonds Are a Girl's Best Friend

Gentlemen prefer blondes

1953

People

Funny Girl

1968

My Heart Will Go On

Titanic

1997

check to check

Top Hat

1935

Evergreen

A Star is Born

1976

I Could Have Danced All Night

My Fair Lady

1964

Cabaret

Cabaret

1972

Some Day My Prince Will Come

Blanca Nieves y los 7 Enanitos

1937

viernes, 22 de junio de 2007

La Recomendada: Lola Rennt



Corre, Lola, corre



Titulo Original

Run, Lola, Run (Lola Rennt

Año

1999

Duración

87 minutos

País

Alemania

Director

Tom Tykwer

Guión

Tom Tykwer

Fotografía

Frank Griebe

Reparto

Franka Potente

Moritz Bleibtreu

Corre Lola corre es una de la películas mas extrañas que yo haya visto, su argumento casi puede deducirse del título. Faltan veinte minutos para el mediodía y Lola recibe una llamada telefónica de su novio Manni, el chico extravió los 100 mil marcos que tenía que entregarle a un gángster y está decidido a asaltar un supermercado para volver a reunirlos. La cita con el mafioso es a la doce en punto. Lola tiene veinte minutos para idear la solución. O cuanto menos, para llegar a aquella esquina y abortar aquel atraco en el que Manni lleva todas las de perder.

No llega a ser la historia de una chica que corre, ya que poco y nada llegará a saberse de ella. Antes bien, se postula como un deslumbrante ejercicio de estilo –de montaje y ritmos– con una módica parábola como telón de fondo. Los títulos de apertura, soberbiamente producidos, muestran a una muchedumbre que se empequeñece mientras la cámara levanta vuelo hasta formar el título con las cabecitas.

Muy bien actuada por Moritz como Lola, con su pelo rojo al viento, con la unos matices muy bien empleados, con esos tatuajes que le surcan el ombligo, parece nacida para eso.

Es una película visualmente maravillosa como un video clip y su indiscutible ritmo está asentado es una combinación cinematográficas muy acertadas para la historia y en esos planos cortados como por hachazos al compás de una música machacona y resaltada por breves silencios.

jueves, 21 de junio de 2007

El Rincon español: Tesis

TESIS
Titulo Original: Tesis
Pais: España
Duracion: 125 minutos
Director: Alejandro Amenabar
Guion: Alejandro Amenabar
Genero: Suspenso - Horror
Interpretes: Ana Torret
Eduardo Noriega
Fele Martinez

Un Joven de 22 años, Alejandro Amenábar debutaba como director y lo hacía con un brillante y entretenido thriller psicológico que exploraba el poder y la fuerza de la imagen en la sociedad contemporánea. Tesis supuso también el redescubrimiento de Ana Torrent, la niña de El espíritu de la Colmena, y el lanzamiento de dos nuevos actores: Eduardo Noriega y Fele Martínez.

ARGUMENTO:

Es noviembre del 1995 en la facultad de CC. De la Información una joven Ángela, esta terminando su licenciatura en Ciencias de la Información y esta preparando su tesis sobre la violencia audiovisual. Para ello, la muchacha solicita la ayuda de su director, el profesor Figueroa, y de un peculiar estudiante, Chema, conocido en la facultad por su retraído comportamiento y su gusto por el cine gore (sangre) y pornográfico.

Tras descubrir en la videoteca de la facultad una sala oculta con multitud de cintas de vídeo, Figueroa muere de un ataque al corazón mientras ve una de ellas, y Ángela descubre horrorizada que se trata de una snuff movie (películas en la que se ruedan torturas y asesinatos reales de gente inocente) Con la ayuda de Chema, Ángela comienza a investigar la procedencia de la película y a sospechar que los asesinos se encuentran dentro de la propia facultad.

A partir de este momento, en que Ángela coge la cinta para descubrir qué terrorífica visión cortó la vida del profesor, comienza a desarrollarse una trama en la que se verán implicados el amigo de Ángela, Chema y otro estudiante de apariencia sospechosa Bosco.
OPINION

Tesis, junto al El espíritu de la Colmena son mis películas predilatas Españolas aun que la segunda la pongo en primer lugar, ambas con Ana Torret, Tesis es una especie de película de misterio – suspenso y toca un tema muy que pasa en la vida real el tema de la violencia audio-visual desde el punto de vista comercial para aquellas personas que le gusta este tipo de morbo.

La interpretación y actuación de los personajes es excelente. Me gusta mucho las interpretaciones, en especial la de Ana Torret. En cuenato al director Amenábar se está convirtiendo en un importantísimo director porque simplemente todo lo que hace es espectacular.

Desde la primera escena de la película, vemos qué es lo que interesa al director: las reacciones de los personajes, sus facciones y el diámetro de los ojos cuando se enfrentan a una serie de imágenes violentas. Ciertamente, la película nos muestra el preocupante mundo del snuff, un mercado que dicen mueve mucho dinero; existe el snuff blando, con muertes de animales o muertes accidentales de personas, y otro snuff mucho más perverso y peligroso directamente relacionado con el mundo criminal. El espectador puede estar tranquilo ya que no verá escenas violentas. Apenas unos planos en la pantalla de una televisión serán suficientes como primer fotograma de una panorámica que terminará en los rostros de los personajes.

Realmente una obra maestra del cine español que debemos ver para valorar un aspecto diferente del cine, no veremos una película sangrienta, pero si veremos una película maravillosamente bien realizada.

Alex Mena